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Kevin K, o como volverse un perdedor exitoso



Kevin K no aparece en Wikipedia. Tampoco la prestigiosa revista Mojo, la moderna Q o la clásica Rolling Stone suelen dedicarle un espacio a su música. Sin embargo, su leyenda transciende su fama, siendo uno de los pocos artistas de la generación CBGB que, sin haber pasado alguna vez por la barrera del éxito, se mantiene tan vigente como en sus inicios, haciendo de él un verdadero músico de culto.

Pero hay un agregado extra: su sobrevivencia. Es un músico cuyos héroes y compañeros de banda partieron para el cielo negro del rock and roll, quedando él sólo para cautivarnos con lo mejor del punk, glam y rock and roll de la actualidad.

Su nuevo CD, Deutschland, se compone de 10 temas bien tocados y con varios momentos para el recuerdo. Entre ellos, “Intrusive”, “The Red Haired Girl”, “The Wall Came Tumbling Down” y “Wrong Girl”, donde canta: “soy el chico que creo que odias / vos sos la chica con la que quiero salir / no me importa lo que digas / voy a escribirte todos los días”. ¿Tendrá algo de malo amar a un perdedor?

A continuación, una entrevista realizada a Kevin K por Chelsea Zine:

- Tu música es muy similar a la que dejaron los ya fallecidos Stiv Bators y Johnny Thunders, ¿te sentís como un sobreviviente?

- Bueno, vi a los Dead Boys en 1978, eso fue cuando encontré a Stiv y Cheetah. Luego en 1981 vi a Johnny Thunders en Rochester NY. Uno de mis shows favoritos de todos los tiempos fue el de los Heartbrakers en el CBGB en 1983. Puro rock and roll. Por lo tanto, mi vida entera en el rock fue construida en New York City, tocando en el CBGB desde 1980 hasta 2002. Me enseñó a estar listo para tocar sin ninguna prueba de sonido, mover el engranaje a través de la audiencia. ¡Me encantó eso!

Por lo tanto en América soy un perdedor, sólo un hombre que nunca tuvo un contrato conveniente. Hago giras por los mismos países cada año y hace 31 años que vengo tocando. Pero en Europa soy conocido como un sobreviviente, un hombre que no abandona. No me gusta la palabra No… es bueno, estoy satisfecho. No conozco a muchos otros músicos que hayan estado tocando por 31 años y tengan 18 cds de estudio en su haber. ¡¡Tal vez algunos viejos bluseros!!

- ¿Qué podés contarme sobre tu primera banda The Toys?

- Eramos una muy buena banda. Estábamos escribiendo nuestras propias canciones en 1980. No hay muchas bandas haciendo eso en Buffalo. Todas las bandas estaban tocando covers. Además abríamos para todas las grandes bandas como Romantics, Ramones, Undertones, Johnny Thunders, Cheetah Chrome, Pat Benatar, Squeeze.

Todas esas bandas nos dijeron que nos mudáramos a la ciudad de Nueva York, ¡¡que nos fuéramos de Buffalo!! Fue una jugada inteligente para nosotros dejar Buffalo por Nueva York. Incluso aunque esto mató a mi hermano Alan (murió en 1996), y al bajista Peter Cain (2005).

- ¿Por qué decidieron hacer una versión de la canción "You Light Up My Life"?

- Porque Debbie Boone, que la cantaba... ¡¡era una idiota!! Religiosa, nunca hizo nada malo, no fumaba, no se drogaba, no bebía… ¡¡¡odiábamos eso!!! Así que hicimos una versión rockera. Aún veo ese single vendiéndose por 30 dólares. Esa fue una canción realmente inteligente para hacer una versión.

- ¿Qué podés decirme sobre los dos cds que sacaste en 2007, “Hollywood” y “Cool Ways”?

- Ambos fueron grabados en Hollywood. Mi tercera ciudad favorita en el mundo. Nueva York, es la primera; Berlín es la segunda y Los Angeles es la tercera.

Sólo buenas canciones pop poderosas. “Jennifer Love Song” se trata de la actriz Jennifer Love Hewitt. Ella es genial. De hecho casi todas las canciones en Hollywood están escritas sobre cosas que vi en Los Angeles. Gente estúpida que dicen que harán algo y luego no lo hacen. Todos se ven bien, todos cantan y bailan. ¡¡Todos son actores!! Pero eso es lo que me gusta de Los Angeles. ¡¡Tetas falsas!!

“Cool Ways” era una canción que estaba en el primer CD, “Road Vultures”. Cambié algunas de las letras… “Rehab” se trata de París Hilton.

- ¿Qué te parece ser entrevistado para un medio argentino?

- Genial… Los Ramones fueron grandes en Argentina. Si cualquiera allí puede contratarme para algunos shows, me encantaría ir a tocar.

Soy uno de los últimos músicos de Nueva York influenciados por Johnny Thunders, Ramones, Deadboys.

Si venís a un show de Kevin K, vas a escuchar sólo buenas canciones y guitarras fuertes, una propuesta simple.

Tengo un libro que está a la venta en Francia solamente. Será editado en Inglaterra a fin de año. Es mi historia de vida: Kevin K – How To Become a Successful Loser. Mi nuevo cd, Deutschland, se está vendiendo muy bien.

La gente puede encontrar muchos de mis cds en CD BABY. Kicking Records es mi sello de Francia. Y mis giras están publicadas en myspace.com/kevinkrock.


Hasta el pasado 12 de julio, Tuli Kupferberg era reconocido algo así como una leyenda viviente. Venerado por músicos de la talla de Lou Reed, John Zorn, y los Sonic Youth, Tuli era uno de los poetas vivos más respetados de la generación beat. Su admiración en el campo del rock se debía a que Mr. Kupferberg había formado en los gloriosos años sesenta The Fugs, una de las bandas underground más reconocidas por haber llevado la poesía al rock, siendo la misma considerada como la verdadera banda de sonido de la Generación Beat.
Aunque The Fugs tenían más que ver con las intenciones de Ed Sanders y Tuli Kupferberg de otorgarle a su poesía una base rítmica, sería injusto decir que la música que crearon fue nada mas que un mero acompañamiento a la lirica. The Fugs crearon algunas gemas del rock de los sesenta, y sin haber conseguido ningún éxito comercial, puede considerársela como la primera banda de culto de la historia del rock.
Además de haber dejado una gran cantidad de libros de poesía, y un puñado de buenos discos editados con The Fugs, para la mayoría Tuli quedará inmortalizado en el poema de Allen Ginsberg “Aullido”, donde dice “quienes saltaron del Puente de Brooklyn esto realmente sucedió y quedaron desconocidos y olvidados en el aturdimiento fantasmal de los callejones de sopa y camiones de incendio de Chinatown, ni siquiera una cerveza gratis”. Consultado sobre este incidente, Kupferberg declararía “pensé que había perdido la capacidad de amar, por lo tanto me imagine que podría estar muerto. Por lo tanto fui un día al puente de Manhattan y después de unos minutos, salté. Pero nada pasó, caí en el agua y no estaba muerto. Por lo tanto, nade hasta la orilla, fui a casa, me pegué un baño y me fui a dormir. Nadie se dio cuenta”.
Luego de haber sufrido un paro cardiaco que lo dejó ciego el año pasado, Tuli Kupferberg falleció el pasado 12 de julio a los 86 años. Otro de los iconos de los sesenta que se van en este 2010, junto con Dennis Hopper y Peter Orlovsky.

Otra gran estrella se ha ido

La muerte del ex Big Star y Box Tops, Alex Chilton conmocionó al mundo del rock el pasado marzo, y este lunes se conoció otro deceso: Andy Hummel, bajista de Big Star. Aunque sufría de cáncer hace unos años, Andy Hummel se mantenía activo en la música y hasta había tocado en el homenaje póstumo a su compañero de banda.
Ahora es el tercero de los Big Star en morir, ya que Chris Bell, quien fuera junto a Chilton el líder de la banda, murió a los 27 años en un accidente automovilístico, en 1978.
A pesar de que injustamente no están en el Rock and Roll Hall of Fame, la influencia en la música que dejaron los Big Star puede oírse hasta el día de hoy, y sus dos primeros álbumes son considerados fundamentales para cualquier amante del rock.

Gary Heffern, acostumbrarse a cambiar

“Muchos de los músicos de mi escena alcanzaron la fama y la fortuna, otros tristemente se suicidaron, y otros como yo y mis amigos, aún seguimos tocando… porque eso es lo que hacemos, y es probablemente la única satisfacción que conseguimos de la vida”.



Probablemente fueron sus años con The Penetrators, mítica banda punk de San Diego, en los que Gary Heffern comenzó a cosechar fama de roquero inconformista. Había dejado a su primera agrupación, Monotone & the Nucleoid, para unirse al grupo del guitarrista Scott Harrington y el baterista Joel Kmak. De esta forma, The Penetrators se iba ganando su lugar como una de las bandas pioneras del punk en San Diego.
Con la llegada del tecladista devenido en baterista, Dan McLain, The Penetrators se convirtió en un combo explosivo, capaz de reunir en un concierto a aficionados del punk, country y rock and roll. Estos eran algunos de los estilos que la banda de Heffern practicaba, los cuales iban acompañados de presentaciones salvajes. Algunos de estos shows ocasionaron disturbios, por los que la banda tenía que interrumpir sus conciertos, como aquel ofrecido en una universidad, en que uno de los miembros de Penetrators encendió un porro y el director suspendió el concierto. Esto provocó la ira de los estudiantes, entre los que se encontraba uno de los primeros admiradores de Heffern; Eddie Vedder.
Pero sería injusto relacionar el caos y la furia juvenil con una banda, cuando estos eran inherentes a la escena underground de ese entonces.
Disuelta ya la banda, McLain, conocido ahora como Country Dick Montana lograría hacerse un nombre con su nueva banda, los Beat Farmers, consiguiendo una serie de hits menores hasta su muerte en 1995, en un escenario de Whistler, Canadá.
Heffern, por su parte, lanzaría sus dos primeros discos, “Bald Tires in the Rain”, en 1990, y seis años más tarde, “Painful Days”, que contaría con la participación de uno de sus más antiguos admiradores, Eddie Vedder.
En 2008, Heffern, quien en uno de esos ataques de inconformismo se fue a vivir a Finlandia, editó “Consolation”, un repertorio de 13 canciones que lo encuentra como un cantante maduro y rico en composiciones que van desde el country a la música alternativa. Entre los invitados al disco se encuentran Mark Lanegan, Alejandro Escovedo, Steve Berlin, Peter Case y Jim Roth. “Consolation” será el primer disco de Heffern lanzado en Argentina a principios del mes de marzo por el sello discográfico Dadastic! Sounds.

¿Cuál es tu mejor recuerdo de Country Dick Montana?

Su impaciencia por intentar cosas nuevas en la música de forma constante… y cuando nosotros estábamos en The Penetrators, salíamos a caminar juntos para estimularnos antes de subirnos al escenario. El era también uno de los más peligrosos bateristas con los que trabajé porque vos nunca sabías cuando él se tiraría arriba del equipo de batería… amaba a ese hombre.



¿Qué podés contarme sobre el proceso de grabación de Consolation?

La mayor parte de “Consolation” fue grabada en 1996 y hubo un retraso en su lanzamiento, ya que el productor del álbum tuvo un colapso nervioso, y el poder terminarlo nos iba a llevar toda la vida. Mientras tanto, perdí mi contrato con Glitterhouse, etc.… fue un tiempo duro. Finalmente, antes de mudarme a Finlandia, sabía que tenía que terminar ese álbum por lo tanto lo grabé hasta la última canción y finalmente lo lancé aquí en Finlandia. Fue un honor haber trabajado con todas esas personas, la mayoría de ellas son buenos amigos míos. A Mark Lanegan no lo conocía muy bien y el estaba pasando por una época difícil en su vida, Chris Eckman de los Walkabouts era amigo de Mark, y él me decía todo el tiempo cuan fanático de mi trabajo era Mark. Una noche en el Cocodrile Café fui donde estaban algunos de los muchachos de Mudhoney (Mark Arm cantó en mi álbum) y ellos resultaron ser amigos. Les pregunté que estaban haciendo y me dijeron que estaban allí con Lanegan, a quien había visto en vivo pero nunca lo había conocido. Por lo tanto les dije que me lo presentaran, y estábamos tan entusiasmados de conocernos el uno al otro. Le dije a él sobre la próxima canción y llamó al productor del club y agendó un horario para el día siguiente. EL cantó su parte en una sola toma… que voz… fue divertido porque se la pasaba diciendo que era un honor para él, y yo le decía todo el tiempo: Mark, el honor es mío. Además, en el momento de la grabación, Jim Roth se convirtió en mi guitarrista por un par de años, y justo después se eso se sumó a la grabación… Annie Marie llegó para tocar con The Walkabouts y también ahora con Jesse Sykes… por lo tanto siempre tuve suerte de trabajar con grandes músicos que son también mis amigos, que vienen siempre primero hasta mi. No me importa cuán buen instrumentista o cantante sos, si sos un hijo de puta no voy a querer hacer nada con vos. ¡La música llega mucho más fácil trabajando con amigos! Estuve tan orgulloso al ver el video de Alejandro Escovedo tocando para Barack Obama… y también me siento afortunado y honrado de tener a los Walkabouts y a Chris Eckman tocando en todos mis álbumes. Chris es también el productor de mi nuevo álbum con gente maravillosa también. Aquí hay una canción de un álbum tributo a los Walkabouts que hicimos también: http://www.myspace.com/thebeautifulpeoplemusic

¿Cómo podés definer tu album "Consolation"?

Soy un fatalista… lo que quiere decir que vivo con miedo de que algo malo va a pasar, por lo tanto cuando hago mis álbumes hay siempre un comienzo, mitad y final para ello. Y hago cada álbum como si fuera el último que voy a hacer. También estoy implicado en el empaquetado, etc. y quiero que la gente compre una pieza de arte, por lo tanto todo el CD es un testamento… la declaración que hice en Consolation es el miedo y la desesperación de América y los americanos durante la era de Bush.



¿Qué podés decirme sobre tu videoclip “La La Land”?

Es una canción sobre mi madre en America que murió de alzheimer y fue una mujer muy cruel. Es una canción sobre el perdón… la escena del fuego fue filmada en mi patio trasero y podes ver el rio congelado, ¡hacía 25 grados bajo cero cuando fue filmado!

Dadastic! Sounds distribuirá tu Cd en Argentina. ¿Cuáles son tus expectativas sobre esto?

Tengo mucho respeto por Dadastic, y los artistas con los que trabaja… espero que la radio en Argentina toque las canciones del álbum. Se que Mark Lanegan tiene muchos fanáticos allí y ellos siempre se contactan conmigo en facebook. Sin embargo, realmente espero que la gente compre el CD y se pueda llevar un pedazo de Gary Heffern en sus manos. Como escribí antes, no son solo las canciones, también el arte de tapa contribuye a todo el paquete. Realmente no hago mucho dinero con mi música, y como Dennis de Dadastic me dijo a mi cuando vio el paquete entero “Guau! Gastaste un montón de dinero haciendo esto, o no?” También cuando la gente compra el CD ¡me ayuda a hacer más fácil continuar produciendo más música!

Y algo más, me siento tan honrado de que el escritor Charles R. Cross escribiera en las notas del álbum, ya que él ha escrito algunos de mis libros favoritos sobre Kurt Cobain, Bruce Springsteen, Jimi Hendrix, etc… y el es un amigo también, y le dio prioridad en su agenda a escribir esa clase de palabras que significan un montón para mí.



El disco de Gary Heffern ya se puede conseguir en "Oid Mortales" (Corrientes 1145 - local 17), "La Cueva del Conde" (Corrientes 1374 - local 16), y M Magimusica (Corrientes 1644). Muy pronto en muchas disquerías más!!

Más información en: http://www.dadastic.com/heffern_splash.html y http://www.fotolog.com/dadastic_arg

Murio Rowland S. Howard

Conocido a comienzos de los años 80 por ser el guitarrista de Birthday Party, la primera banda de Nick Cave, Rowland S. Howard dejó a los 50 años uno de los mejores legados en la historia del rock and roll anti-mainstream.



Durante tres décadas, el atormentado guitarrista siguió un camino musical que atravesó varias etapas. Luego de que los B.P. se separaran, Rowland se unió a Crime and the City Solution, junto a su antiguo compañero Mick Harvey. En dicha banda tocaría por primera vez con Epic Soundtracks, un talentoso baterista de la escena, quizá más conocido por haber sido miembro de los Swell Maps, con su hermano Nikki Sudden.
En 1987, Rowland y Epic deciden formar junto a Harry Howard, en bajo, y Genevieve McGuckin, en teclados, la banda These Immortal Souls, intensificando aquel mix de punk, post punk, blues y poesía sombría, por el que el gran Rowland se había ganado una reputación. Precisamente sería ese año uno de los más prolíficos del guitarrista, al editar dos de sus obras maestras, "Get Lost (Don't Lie)" con These Immortal Souls y "Kiss You Kidnapped Charabanc" con Nikki Sudden.
Rowland seguiría grabando con su banda hasta la primera mitad de los noventa y luego en 1999 daría inicio a su carrera solista con el excelente "Teenage Snuff Film", seguido este año por "Pop Crimes", disco que fue grabado mientras padecía cáncer.

¿Cómo lo recuerdan sus amigos y ex compañeros de banda?

Nick Cave escribió en su página oficial que "es una noticia muy triste. Rowland fue el guitarrista australiano más único, dotado e inflexible. También fue un gran amigo. Será extrañado por muchos".

Jeremy Gluck, frontman de la banda The Barracudas, que grabó junto a Rowland, Nikki Sudden, Epic Soundtracks y Jeffrey Lee Pierce, el disco "I Knew Buffalo Bill", expresó que "mi recuerdo favorito de Rowland es cuando estábamos ensayando para un concierto y molesté a Rowland diciendo que tocaba de forma excéntrica y él me dijo, "si lo decís de nuevo, voy a empalar la cabeza de tu hija en el cuello de mi guitarra"".

Por último, el legendario guitarrista de Gun Club, Kid Congo Powers, dijo "R.I.P. Rowland S. Howard. Espectacular guitarrista, y un tipo maravilloso".

Fashion: Escalera a la Nada

Tener una canción exitosa, o dos, tres o hasta más, no te asegura un lugar en la eternidad. Y eso fue lo que le pasó a muchas bandas que siendo desconocidas en la actualidad, alguna vez gozaron de importante fanatismo y prensa. Fashion fue una de esas bandas, que a pesar de que para algunos puede solamente haber llegado con su álbum “Fabrique” a una lastimoso puesto 46 en Gran Bretaña, dicho álbum fue uno de los 10 más vendidos del año y estuvo 16 semanas en el top 100.
La banda también puede jactarse de haber llevado a unos ignotos Duran Duran como su banda soporte, y haber compartido recitales junto a U2 y The Police.
Sin embargo, treinta años más tarde para hablar de Fashion resulta indispensable hacer un breve paso por su biografía.

La banda que comenzó a tocar como Fàshiön Music en Birmingham en 1978, estaba compuesta por John Mulligan en bajo y sintetizador, Dik Davis en bateria, y Al James, luego conocido como Luke Sky, como cantante y guitarrista.
Surgidos dentro del movimiento punk, pero predispuestos a volverse unos de los pioneros del new wave, la banda lanzó “Product Perfect” su álbum debut, en 1979.
Sin embargo, en tan poco tiempo la primera etapa de la banda estaba por finalizar cuando Luke Sky abandona la banda luego de lanzarse el single “Silver Blades” en 1980.
La banda y su líder tomarían caminos opuestos, llegando la primera a llegar a lo alto de los charts, con “Fabrique” ubicándose en el puesto 10, y el segundo, pasando por trabajos tan disímiles como lavador de trenes, barman, y cantante callejero.
Sin embargo, la banda se separaría al poco tiempo, hasta que finalmente, el año pasado, comenzaba a hablarse de una posible reunión de Fashion.
Si bien, fue solamente Luke Sky que decidió volver bajo el nombre de su antigua gloria, no es este un dato menor, ya que para muchos la banda pasó su mejor período con Luke como su vocalista y líder.

Pero, ¿a qué lleva esta reunión? Difícilmente, o básicamente imposible, se pueda tildar este regreso como un oportunismo ya que las copias de su nuevo álbum “Stairway To Nowhere” son vendidas por Luke a través de su página web: http://www.fashionlukesky.com/Home_Page.html.
La primera canción que abre el álbum “Shining Son”, es una interesante canción, ciertamente repetitiva como pegadiza, y muy diferente a “Beauty Is Mine”, una especie de reggae oscuro entre los ingleses Specials y los argentinos Sumo.
En su tercer track, “Strenght” Luke vuelve al punk de sus primeros días, mientras que “Turning left At Greenland” es una canción futurística, con una diferencia que a no ser por el CD que lo aclara, podría no notarse: es el primero de tres temas del disco, en que hay un baterista, Vuk Pavlovic.
Y es que durante todo el disco, Luke se encarga por primera vez, además de la voz y la guitarra, de los sintetizadores, bajo y batería. Un Prince del New Wave.
“Slow Radiation” es otra composición reggae del disco, con un trabajo en guitarra que recuerda a lo mejor de The Cure.
“Calling” es otra canción con raíces punk, aunque bastante más trabajada, y en “Cute Stupid”, uno de los mejores temas del álbum, Luke vuelve a mostrar su oscuridad musical.
Puede decirse que “Dance, Dance, Dance” es un perfecto tema con la marca de agua “Fashion”, “European Cure” y “Bad Day in Heaven”, dos buenas canciones con uso pero no abuso de sintetizador y guitarra, y que dan paso a “Stairway to Heaven”, su última canción, que a la primera estrofa suena como clásica.
La cantante de Divinyls ofreció en una página de remate por internet una de sus clásicas prendas de los años 90, su famoso vestido de colegiala.
Chrissy Amphlett, la voz de la icónica banda australiana Divinyls, donó este accesorio de su colección personal a una organización australiana que combate la múltiple esclerosis. Dicha enfermedad es padecida por la cantante desde hace unos años, aunque en un mensaje escrito en su página oficial asegura estar en condición estable y seguir escribiendo y tocando música.
La prenda enmarcada, que incluía algunas fotos y un certificado de autenticidad firmado por Chrissy, fue vendida por Ebay a $6 mil dólares australianos, a fines de marzo de este año.



En tiempos donde la mayoría de los recitales excelentes la dan los músicos más antiguos, la frase de Jethro Tull “demasiado viejo para el rock and roll…” es la que se ha quedado en el pasado.
Marek, antiguo DJ gótico y actual cantante, tecladista y programador de Black Roses, Poetry and Death, entendió esto muy bien, y ya entrado en los 40, fue cuando decidió poner en marcha su banda.
Antiguo compañero de Mark Almond, y amigo de Andrew Eldritch y Wayne Hussey, Marek tiene un pasado importante dentro de la escena gótica underground, lo que puede llegar a captar la atención de sus futuros oyentes , aún más que su propia música.
Tal vez lo más llamativo, sea su afiliación al Thee Temple Ov Psychick Youth, conocido en español como “el Templo de la Juventud Psíquica”, en los años 80. Un templo formado por integrantes de Psychic TV, Coil y Current 93, y al que se unieron figuras de la escena como Marc Almond y Throbbing Gristle, cuya finalidad era “finalizar la pereza personal y generar disciplina”, según dicta su manifiesto. Para ello, incurrían en conceptos mágicos carentes de misticismo y adoración a los dioses.
Sin embargo, no hay que desmerecer la música que ha grabado Marek con su banda, que suena antigua, en una época donde hacerlo puede llegar a ser “cool”, por lo tanto moderna, pero sin dejar de lado el ocultismo y ese aire de misterio que rodea a la figura de este ex – new romantic.
Con un CD titulado “Dream of Bitter Days” ("Sueño de dias amargos"), que salió al mercado este año, e incluye una versión “Tainted Love” que Soft Cell supo tomar de Gloria Jones, y Marilyn Mason de… Soft Cell, aunque mucho más roquera que todas ellas.
Además, Black Roses, Poetry and Death ha abierto shows para Mercyful Fate y VNV Nation y ha tocado en el mítico club CBGB, durante la noche en que las puertas se cerraron eternamente.
Entrevistado por Chelsea Zine, Marek, revela alguna de las anécdotas que lo hicieron infame en los 80, pero una figura de culto en la actualidad.


Contame sobre el comienzo de la escena gótica, ¿Qué recordás de esa época al haber formado parte del movimiento?

Recuerdo cuando tenía 16 años, cuando se había lanzado Israel de Siouxsie, ese fue uno de los momentos cruciales y parte del principio, la escena New Romantic estaba muriendo e Inglaterra estaba muy deprimida, por lo tanto bandas como Joy Division y Sisters of Mercy crecieron en popularidad. Tardó un tiempo hasta que Londres absorbió el gótico y aún más tiempo para que América se apropie del movimiento.


¿Por que te hiciste miembro de Thee Temple ov Psychick Youth?


Bueno, a través de conocer a Marc Almond, y ya gustándome Throbbing Gristle, me mencionó que él estaba haciendo coros en dos temas en “Force the Hand Of Chance”. Me encantó, luego nos hicimos amigos después de un show de PTV e incluso terminé siendo niñero de sus hijos mientras la banda tocaba. No mucho tiempo después de ello, fui tatuado por un especialista pionero en body piercing, Mr Sebastian.



Como un DJ pionero del gótico, ¿cuáles eran las canciones que más pasabas?

“Love Will tear Us Apart” por Joy Division, “Alice” por Sisters of Mercy, “Israel” por Siouxsie and the Banshees, “Baby Turns Blue” por Virgin Prunes, “Follow the Leader” por Killing Joke, “She Sells Sanctuary” por The Cult (su baterista Lez Warner es un viejo amigo mío). Puedo seguir y seguir.


¿Tenés alguna anecdota divertida sobre el tiempo en que compartías habitación con Marc Almond?

Bueno, una de mis historias más queridas, dulces y divertidas fue una vez cuando, como un gran fanático además de amigo, y él siendo la gran estrella que era en Inglaterra a comienzos de los 80, salí y me compre las mismas ropas, botas, campera, remera, todo. Salí esa noche y luego, para mi gran sorpresa, Marc se mostro vestido idénticamente. Yo estaba muy avergonzado, pero Marc me abrazó, llamó a un taxi y se fue a cambiar.


“Black Roses, Poetry & Death”. ¿Por qué ese nombre? Contame un poco sobre tu banda.

El nombre viene de cosas que, para mí, inspiran lo que el gótico debe ser, bueno tal vez no la muerte, eso sólo lo considero como algo divertido.
La banda empezó conmigo escribiendo las letras y publicándolas online. No había ninguna música original, mi formación era el teatro musical y nunca tuve la intención de estar en una banda, pero amigos míos me ayudaron a grabar una canción llamada “Blue”, la cual ganó popularidad en clubes en Nueva York y Boston. No mucho después, se nos pidió encabezar un festival gótico en Brooklyn y las cosas crecieron y mejoraron.

http://www.myspace.com/blackrosespoetrydeath
Prácticamente desconocido por estas tierras, Bruno Adams fue un héroe para el underground australiano, quien supo mezclar estilos como el punk blues, el post-punk alternativo y el pub rock.



Bruno Adams, nunca fue un profeta en su tierra natal, a pesar de haber formado allí una de las bandas claves de la escena rockera: Once Upon A Time. En ella tocaría junto a miembros de Herem Scerem, Whirlywirld y Crime and The City Solution hasta mediados de los 90. La banda lanzó el primero de tres discos en 1988. Sin embargo, no fue hasta dos años después que comenzaron a lograr el reconocimiento que merecían. Para ese entonces, la banda había decidido mudarse definitivamente a Alemania, tocando numerosos shows en Berlín, la ciudad que le había abierto las puertas y reconocido su arte.
Tan grande fue el apego de Bruno Adams por el país europeo, que cuando Once Upon a Time se disolvió, el cantante armó una nueva banda en la ciudad. Se llamaron Fatal Shore y fue la agrupación que lo acompaño hasta su muerte, el sábado pasado.
The Fatal Shore estaba formado por Phil Shoenfelt, una leyenda del post-punk australiano, Chris Hughes, compañero de Adams en OUAT y John Clifford Barry, bajista de Nikki Sudden.
Fatal Shore sacó tres discos y un EP, el cual fue editado este año. En el mismo se pueden escuchar temas de Leonard Cohen,Lee Hazlewood,Fred Neil. No hay duda que al leer estas influencias, uno ya sabe como venia la mano.
Puede decirse que Adams, cumplió su motivo en la vida, habiendo llegado con su música a los corazones rotos, a los ebrios de whisky, amor y dolor. Su influencia seguirá vigente.

No llores por mi, Georgia

Georgia está de luto, uno de sus guitarristas más preciados Randall Bewley, falleció ayer 25 de febrero. El guitarrista estaba manejando el lunes por Barber Street y tuvo un paro cardíaco, lo que provocó que el volcado de su vehículo.
El mundo debería estar de luto también; el guitarrista de 53 años formó parte de la banda Pylon desde hace 30 años hasta el día de su muerte. Esta banda que compartió escenario con B-52's, Mission of Burma, The Gang of Four y R.E.M. fue considerada una de las mejores agrupaciones surgidas de Atenas, Georgia y una influencia, incluso, para sus contemporáneos.
Pylon no es ajena al conocimiento de los lectores de "Chelsea Zine". El 25 de marzo del año pasado, su cantante, Vanessa Briscoe Hay realizó una histórica entrevista para el blog. En ella, dijo que los integrantes de Pylon, la banda que tocaba hasta el día de hoy con todos sus componentes originales, eran "como mis hermanos. Los conozco desde hace mucho tiempo. Hemos visto lo peor y lo mejor de cada uno y todavía somos amigos".
Bewley también formaba parte del supergrupo, Supercluster, desde su comienzo en 2007. Allí tocaban también, Briscoe Hay y su esposo Bob Hay, Hannah Jones y John Fernandes, entre otros.
Desde acá, se le envían fuerzas a Vanessa y la familia Bewley.